“YokYokYok_欲欲欲”
Exhibition Group Show
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YOKYOKYOK


전시 기간: 2019.5.17~5.31
전시 장소: 동대문 시대여관
전시 기획: YOK OFFICE @yokoffice   Siha,Kim
참여 작가: 김세진 Sejin Kim, 김시하 Siha Kim, 서고운 Goun Seo, 박경률 Kyungryul Park ,전미래 Mirai Jeon , 정고요나Goyouna Jung, 유재연 Jaeyeon Yoo, 한석경 Seokkyung Han
후 원: Craft Base
협 찬:  Zenxia
Opening Performance/5. 17(Fri) pm 6:00,
   Artist  전미래  Mirai Jeon _“ Aka, 새아가_Propaganda
Show yokyokyko Story Dance 

욕욕욕 Yok Yok Yok, 전시의 변
#1
 어느 작가의 포스팅으로 기억 소환하듯, 책장 속을 뒤져 꺼내 들은 책, 죽기전에 마지막으로 썼다는 찰스 부카우스키의 죽음을 주머니에 넣고는 다시 봐도 정말 끔찍했다. 그의 글 솜씨가 끔찍한 게 아니라 그가 쏟아 놓은 말들은, 세상에 대한 제기랄, 니미럴 쯤의 배설이 가득한 문장이었기 때문이다. 멋부리지 않은 글들이 심장을 파고 들었다. 일평생 글쓰기만이 그를 구원했는데, 그런 그를 엿보며 나를 구원하고자 했던 것이 도대체 무엇일까 생각하니, 갑자기 답답해졌다. 사람들은 예술가들이 대단한 무언가를 지니고 있어 그것 때문에 제 살을 파고먹는다고들 하지만, 그것보다는 바로 그런 생각을 가진 사람들 때문에 잠식되어 점점 고립되다 자멸하기도 한다. 예술을 받아들이고 예술가들을 바라보는 일은 모든 감각을 열어놓아야 가능한 일임에도 세상의 잣대는 언제나 그 반대다. 일반적인 관념, 방식, 해석 따위로 가로세로 줄치기를 하다 보면 빙고가 아니라 쇠사슬이나 쇠창살이 되고 마는데도 너무나 손쉽게 예술가를 사회의 벽에 가둬 놓는다.한 번 생각을 해보라, 갇힌 예술/ 예술가라니. 생각만으로도 괴로움이 느껴지지 않는가. 마치 tv 안에 온 세상이 있으니 되었다 라는 논리인데, 보라, tv는 그저 네모난 큐브일 뿐이다. 향기도 나지 않고 냄새도 없다. 그런데 더 짜증나고 화나고, 답답한 건 대부분, 같은 길에 있는 이조차도 그러한 생각을 한다는 것이다. 정말 끔찍하다. 그리고 아무도 그에 관해서는 이야기를 하지 않는다. 자기조차 그 끔찍한 이들 중의 하나일 수 있다는 걸 애써 부정하려는 듯이. 화려한 미사 여구 없이, 미학적, 미술사적, 사고, 태도, 모든 걸 뒤로 한 채, 지금의 이 상태를 보자면 부글부글 끓어오르지만 넘치지는 않은 욕망의 발화점을 지닌 채 기회를 보거나 때를 기다리는, 그런 상태다. 찰스 부카우스키의 글을 인용하자면 “제기랄, 정말 괜찮은 작품이 없다는 걸 나는 믿을 수가 없다. 온통 시시껄렁하다.” 그런데 그건 당연한 일이다. 예술가들이 그 욕망의 발화점에 불을 지펴 폭발하고 용암처럼 꾸르덩꾸르덩 산등이를 타고 내려오기 전까지는 말이다.
#2
 전시아이디어를 서로 공유했을 뿐 그럴싸한 그림은 없다. 그러니 글을 미술적으로 멋들어지게 써야할 이유도 없었다. 그저 사라져가는 공간을 부여잡고 이야기나 좀 해볼까에 가깝게 이 일은 시작됐다. 그런데 그것 또한 강력한 어떤 최음제 같은 것이기도 했다. 왜냐하면 여기 있는 예술가들은 거창한 타이틀이 없어도 작품 안에 서거나 그 외 삶 자체에서도 그 어떤 이들보다도 각기 다른 방식으로 치열하고 그 욕망의 들끓음을 항상 심장에 위치시켜서 언제 터질지 모르는 감각으로 무장된 자들이기 때문이다. 그렇게 공간을 던지니 작가들은 반응하기 시작했다. 나는 어쩌면 전시장에 누군가가 흘린 작은 동전을 작품으로 둔갑시키는 일에 지쳐 있었는지도 모르겠다. 한동안은 나도 전시된 동전도 예술가의 특별함으로 보면 특별하지 라는 것에 도취되어 있었으나 그건 그냥 동전일 뿐이고 오히려 “어머, 동전이 있어, 내가 주었어, 횡재했네” 라고 행운이라 여기며 동전을 주워드는 것이 더 예술적인 시그널이라는 것을 이제야 알기 시작했는지도. 그래서 예술이라고 우기며 그럴싸하게 보여주는 전시보다 전시에 참여했든 안 했든 예술가들이 무언가를, 영감을, 경험을, 이야기를 얻는 전시였으면 좋겠다고 생각했다. 그래서 관객을 위한 전시보다는 예술가들을 위한 전시가 되기를, 혹시 아는가, 그것이 어느 예술가의 발화점에 불을 지피는 성냥 한 개피가 되어 줄지. 그렇게 피운 작은 불씨가 화산이, 용암이 되어줄지 말이다.
# 굳이 보태는 말.
시대여관은 1940년대 피난민들이 살던 쪽방촌에 위치한 장소로, 여관으로 들어서는, 마치 이상한 나라 엘리스의 땅굴 같은 그 문을 지나기전 자리한 맥주펍의 주인장의 눈에 들어오기 전까지는 동대문의 흐름대로 사라질 위기에 있던 곳이다. 사라져 간 많은 것들이 그렇지만 이 곳 역시도 자본의 한 꼍이자 사회구조의 약자를 위한 최소한의 공간이었기에 이 같은 맥락에서 작품과 예술가들이 위치하기에 적절한 공간이었다. 이곳에는 최영미 시인의 시대의 우울의 한 테마가, 사라진 역사의 인물이 재해석되고, 관음증이, 죽음이, 처연함이, 발광하는 빛이 그리고 역설적인 색들이, 공존해 있다. 굳이 하나의 테마로 , 묶어 정의 내리지 않아도 보는 이들에게는 보일 그것이. 오래 전 30캐럿을 대표적으로 여성 그룹이 페미니즘을 기반으로 한 활동을 활발이 하던 시절이 있었다. 많은 여성 작가들이 본인이 처한 사회의 현실을 그룹 활동을 통해 작품으로 표현하며 움추려 들던 자아를 표출하던 시기가. 지금시대에서 성별이 앞선 그룹 활동은 없지만 이번 전시는 그 맥락이 포함되어 있음을 부인하지 않겠다. 일종의 ‘유닛 활동’ 이랄까 . 욕욕욕 YokYokYok 은 내뱉는 욕(속어, slam)이기 이전에 욕망, 욕구, 접미사로는 식욕, 성욕, 물욕 과 같은, “욕欲”에 기반한다. 그 욕에 충실하다 보면 사실 이는 상대적으로 ‘욕’을 가리고 사는 ‘여성’ 에 접근하게 되기에 불가피한 선택이기도 했다. 그렇다고 전시에 참여한 작가들이 모두 “일부러”_‘여성’을 주제로 작업하지는 않는다. 기존에 해온 작업들이 이 공간과 이 주제로 같이 공존하게 되었을 때 어떤 맥락으로 읽힐지, 자연스럽게 녹아든 성 역할과 사회와의 관계, 그것이 어떻게 보여질지에 더 주목한다는 표현이 맞겠다. 사실 모르겠다. 배설하듯이 욕구와 욕망을 드러내어 놓는 일을, 그것의 가치를. 어떤 사람은 심지어 무성애자처럼 아무런 ‘욕’ 도 느낄 수 없을지도 모른다. 그렇다면 그저 대항하기 위함일까. 하지만 어떤 일은 드러내 놓아야만 할 때가 있다. 그리고 나는 그게 지금이기를, 바란다.
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‌About the Yok Yok Yok exhibition 
#1  
  Like recalling an old memory from an author’s internet post, it horrifies me even now to look at the book I scoured my bookcase to find: The Captain Is Out to Lunch and the Sailors Have Taken Over the Ship, said to be the last thing that Charles Bukowski wrote before his death. The horrific thing is not his writing ability—it’s the words he unleashed, the sentences filled with excretion, something like a “fuck you” or “go to hell” directed at the world. The inelegant words truly dug into my heart. I felt suddenly stifled at the thought: throughout his life, writing had been his only salvation. What was I doing trying to save myself by spying upon that? People sometimes say that artist possess something extraordinary that makes them dig into and consume their own flesh—yet it is because of people who view things in that way that they can become increasingly eaten away, isolated, destroyed. We can only accept art and see artists when we have opened all our senses, yet the standards of the world have always been the opposite. The more we array ourselves horizontally with our everyday ideas, methods, and interpretations, the more they become chains or bars rather than examinations. All too readily, we confine artists within the walls of society. Think about it, captive art/artist—is it not agonizing even to think about it?It is the same sort of thinking that sees it as enough for the whole world to be on TV. Look at it: the TV is nothing more than a cube. It gives off no scent, no smell.What is even more exasperating, more infuriating, more frustrating, is that most people share the same thoughts—even people who follow the same path. It’s truly awful. And no one talks about it. It is as though they are doing their utmost to deny that they too are among those terrible people. Looking at the situation now without any florid rhetoric—leaving aside all the things about esthetics, art history, thought and attitude—it is a state of waiting for an opportunity, a state with an ignition point of desire that roils and bubbles but never spills over. As Charles Bukowski writes, “Damn it, I can’t believe there are any really decent works of art. They’re all tripe.”But it’s natural—the artists continue stoking that ignition point of desire until it erupts and they descend along the ridge like roiling lava
‌
#2  
  We have merely shared exhibition ideas at this point, without any paintings to speak of. So there was no reason for me to write this in some artistically grand way. It began out of something akin to trying simply to grab hold of a disappearing space and talk about it. Yet it was also similar to a kind of powerful aphrodisiac. Even without any grandiose titles, the artists here intently pursue different approach from anyone else’s—in their work as well as their lives—and are armed with a sensibility where they keep that roiling of desire constantly present in their hearts, ready to erupt at any time. This was their situation when the space was presented and the artists began to respond. It may be that I was tired of the kind of work where I took a tiny coin someone had dropped in the gallery and turned it into art. For a time, I too was carried away with the idea that the exhibited coin was special when viewed in terms of the specialness of the artist; it may be that I have only just begun to understand that the more artistic signal lies in regarding the coin as just a coin, in picking it up and thinking, “Wow, here’s a coin I picked up. What a windfall!” Instead of an exhibition where I presented things in attractive ways and insisted on their being “art,” I thought a better approach would the kind of exhibition where artists gained something—inspiration, experience, a story—whether they participated or not. An exhibition for artists rather than one for audiences. You never know—it could be the match that creates a spark at some artist’s ignition point. The small ember thus sparked could turn into a volcano, into lava.
# A necessary addendum.
Situated in a flophouse neighborhood where refugees used to live in the 1940s, Epoch Inn’s existence had been imperiled by trends in the Dongdaemun area of Seoul, right up until the time it attracted the notice of the owner of the pub located just before the door leading visitors inside like the rabbit hole in Alice in Wonderland. The same could be said for many other places that have disappeared over the years: it was a place for capital, but also a small setting for vulnerable members of the social structure, and in that context a suitable environment for artwork and artists. Existing here is a theme from the poet Choi Young-mi’s Melancholy of the Era with the reinterpretation of figures from a vanished history; voyeurism coexists with death, with plaintiveness, with radiating light and paradoxical colors—something that will be visible to those who view it, even if it is not necessarily defined in terms of any one theme. Long ago, there was a time when this was an active base for feminism and activists with women’s groups, most notably 30 Carat. It was a time when many female artists used their group activities to represent the social reality they faced through their art, to give expression to their cowering inner selves. While the same sort of gender-focused group activists are no longer part of the present times, the exhibition does not negate the presence of that context. It may be seen as a “unit activity” of sorts. The name YokYokYok is based less on the sort of “slam” we deliver to insult someone (one meaning of “yok” in Korean) than on desires (another meaning of “yok”): yearning, craving, appetite, lust, and all our worldly hungers. The choice may be an unavoidable one—for staying true to those “desires” actually leads us to the topic of “women,” who tend comparatively to conceal the desires in their lives. That is not to say that the artists taking part in the exhibition all deliberately adopt “women” as a theme for their work. It would be correct to say that the focus is more on the context in which their previous works are interpreted when brought together by space and theme, or on how the naturally imbued gender roles and relationship with society are reflected. I actually don’t really know about it—about revealing our urges and desires like excreting waste, about the values that inform that. Some of us may not even experience any desires at all, like asexuals. Is it simply as a form of resistance, then? But with some things, there comes a time when you must express them. And I hope that time is now.
‌YOKYOKYOK Artist_ Sejin Kim
나쁜 피에 관한 연대기, 싱글 채널 HD 비디오, 5.1채널 서라운드 사운드, 12’ 50”,  2017
Chronology About the Bad Blood, Single Channel HD Video, 5.1 Channel Surround Sound 12’ 50”, 2017

김명순은 한국의 근대 문학사에서 잊혀진 뛰어난 재능의 여류 문인이었다. 소설, 시, 희곡, 에세이 그리고 번역과 같은 다양한 장르에서 수 많은 작품을 남겼지만 현재에 남겨진 기록은 그 중 일부에 불과하다. 기생이자 첩이었던 엄마로 인한 출생 신분의 미천함, 첫 데이트에서의 강간과 같은 사건들은 그 당시 신분 체제와 남성 중심 사회에서 여성작가로서의 활동에 한계를 드리우는 계기가 되었다.
역사 속에 유령과 같았던 한 인물을 현재로 소환하기 위해 영화적 구조의 형식을 사용한 “나쁜피에 관한 연대기”는 그녀의 사망 추정 시기인 1951년 4월, “어떤 허구의 하루”라는 설정의 스크립트는 내적 욕망과 결핍, 이상과 현실, 고독과 외로움의 독백으로 채워진 그녀의 불분명한 연대기의 글들로만 구성이 되었다. 수많은 그녀의 시들은 “poken Word”라는 시낭송의 형식과 사운드, 나레이션, 목소리와 같은 청각적인 요소로 중심으로 픽션과 넌픽션의 경계를 오가며 한 개인의 서사를 묘사한다.
Chronology About the Bad Blood, Single Channel HD Video, 5.1 Channel Surround Sound 12’ 50”, 2017 
Kim Myeongsun was a highly talented yet forgotten woman writer in the history of modern Korean literature. Kim left numerous works in various genres such as novels, poetry, plays, essays, and translation, but the records of her work and life are very limited. Her mother was a prostitute and concubine. Her humble origin and the terrifying experience of being raped on her first date with a man cast a shadow over her activities as a writer in a male-dominated society with a class system.
In “Chronology About the Bad Blood “, I used a cinematic structure to summon a person who existed like a ghost in history. As a foundation, I set ‘a fictional day’ in April of 1951, which is assumed to be Kim Myeonsun’s death day. The script is composed of Kim’s own writing filled with inner desire and deficiency, idealism and reality, solidity and loneliness. The chronology of the writing is never clear. In the video, hundreds of her poems relate an individual’s narrative in a form of poetry reading called ‘spoken word’ along with auditory elements such as sounds, narration and voice, straddling the boundary between fiction and nonfiction.
YOKYOKYOK Artist- Sih, Kim
근친상간의 집-방1,2,3
 The House of Insert-Room1,2,3
Installation,Sculpture, Photo, Mixed,2019

아나이스닌 Anais nin 의 첫번째 초현실 적 소설의 제목인 근친상간의 집을 제목으로 가져온 것은 공간에서 받은 영감 때문이었다. 시대여관의 전체적인 모습에서 자궁이나 굴을 떠올리며 아나이스가 되고 싶어하던 소설속 인물인 < 준 >이 오버랩되었다. 파괴적이고 충동적이며 창조적인. 닌은 시대가 원하던 여성스런 자아와 이상적인 예술가상, 사이에서 끊임없이 갈등하였고 소설 속 < 준 >은 그녀가 원하는 예술가의 상징적 존재였다.비현실적이거나 현실과 비현실, 그 둘 사이의 괴리감을 표현하기 위해 자주 설치작품에 사용하던 소재인 말라가는 꽃이나 식물, 창살은 대단히 폭력적이고 억압적이지만  닌(작품)과 준(공간)을 대립하는 존재로 보았을 때 닌의 소설처럼 작용을 할 것이라고 생각을 했다. 이미 공간은 작품으로서 기능하기 때문에 굳이 요소들을 여기저기 옭아맬 필요 없이 미니멀하게 단순한 요소요소들, 문학으로 치면 단어의 나열처럼 배치하기로 한다.
The House of Incest
The use of The House of Incest as a title—taken from Anaïs Nin’s first work of surrealist fiction—was inspired by the spatial setting. The overall shape of Epoch Inn called to mind a womb or cave, which overlapped with “June,” the character in the story that Anaïs wished to become—destructive, impulsive, creative. Nin felt a constant sense of conflict between the feminine self the era demanded and the ideal image of the artist; in the story, June was a symbolic presence embodying the artist she wished to be.
To express the unrealistic, or the divide between reality and unreality, I felt that certain themes I had frequently used in installation works—drying flowers, plants, and bars—could operate like Nin’s writing when viewed as representing the conflict between Nin (artwork) and June (space), tremendously violent and oppressive as they are. With the space already functioning as a work of art, I decided that there was no need to tie them to different parts and that they should be arranged minimally as simple elements akin to words in literature.
‌‌YOKYOKYOK ‌ Artist_Goun Seo


죽음의 표피들은 '흔적'이라는 오래된 시간의 축적으로 우리의 눈앞에 놓여있다. 이 흔적들은 발견되자마자 없어질 것들이다. 나는 발견되자마자 사라질 그 흔적들을 캔버스 위에 고정시키고, 누구의 흔적인지 모를 죽음의 자리를 바라보며 나의 죽음의 흔적을 엿본다. '어떻게 살아가야 할 것인가'에 대해 끊임없이 질문을 던지면서. 삶을 살아가는 우리들이 '잘 살기 위해' 생에 집착하는 많은 일들을 이해하기 위해서는 제대로 된 죽음과 애도의 시간이 필요한 것인지도 모른다.

The surfaces of death are laid before us through longstanding accumulations of time that we call “traces.” These traces are fated to disappear once they are discovered. I take these traces that disappear upon discovery and fix them in place upon the canvas, spying the traces of my own death as look upon a place of death whose traces cannot be attributed to anyone—all while constantly posing the question of how we ought to live. Some time for proper death and mourning may be needed to understand the many people among us who fixate on life in order to “live well.”
‌YOKYOKYOK Arist-Goyona Jung
Online environment → SNS (sharing of everyday personal life) → New lifestyle → New material for art
‌온라인 환경- > SNS(개인일상공유)- > 새로운 라이프스타일- > 새로운 예술 소재 초고속으로 치닫고 있는 삶의 리듬으로 인해 현대인들의 일상은 갈수록 삭막해지고 있다. 개인화는 심화되었고, 이로 인해 정서적으로 소외와 고립감에 노출되기 십상이다. 이렇게 정서적인 ‘사막화’ 현상 속에서 현대인들은 온라인 SNS를 통해 자신들의 일상의 모습들을 전 세계 사람들과 공유하는 새로운 풍경을 만들어내고 있다. 여기에 더해서 1인 방송이라는 개인 영상 매체를 이용한 방식으로 자기 자신의 일상이나 생각 혹은 엽기적인 행위까지도 노출하기도 한다. 그야말로 한 사람의 혹은 특정 부류의 소소한 일상과 관련한 이미지들이 기존의 소수의 거대 미디어(TV, 라디오 방송, 신문 등)를 대신해서 대중의 집중적 관심을 받기에 이르렀다. 우리는 각종 cctv에 노출되어있으며 최근 사회에서는 몰래카메라 사건으로 몸살을 앓고 있다. 개인이 자신을 노출시키고 싶어하는 욕망과 의도하지 않는 노출과의 아이러니한 관계 속에 살고 있는 이러한 시대적 현상에 대한 고찰을 모티브로 예술실험을 진행하고자 한다. 특히 최근 개인 SNS에서 흔히 보여지는 현상들은 나의 평범한 일상을 소소하게 SNS에 올리던 것에서 마치 ‘나 이렇게 잘 살고 있어’ 라고 하는 듯이 과시의 장으로 변화되고 있는 듯하다. 여러 앱을 사용한 셀피와 좋은 음식, 좋은 옷, 해외 여행 등의 사진을 통해 더 이상 일기처럼 하루하루 기록하던 방식이 아닌 ‘보여주기’ 위해 개인 SNS를 이용하고 있다. 이렇게 공유되어지는 이미지들을 통해 일상의 풍경들에서 보여지는 서정적인 ‘가면’ 뒤에 가려진 그들의 욕망에 대해 작업하였다.
Online environment → SNS (sharing of everyday personal life) → New lifestyle → New material for art
The rhythms of our frenetically paced lives are leaving the daily lives of modern people increasingly desolate. Individualization has intensified, with the result that we are vulnerable emotionally to feelings of alienation and isolation. Amid this phenomenon of emotional “desertification,” modern individuals are creating a new landscape in which online social media are used to share images from their daily lives with people around the world. They also used personal video media—namely one-person broadcasting—to expose their daily lives, their thoughts, and their sometimes bizarre behaviors. We have truly arrived at a situation where the trivial daily experiences of single individuals and groups become a focus of intense popular attention instead of the existing minority of large-scale media (TV, radio, newspapers, and the like). We have been exposed to various forms of closed circuit television, and our society has recently been plagued by incidents involving the use of hidden cameras. I am attempting an artistic experiment where the motif is an examination of this phenomenon today, in which individuals live amidst an ironic relationship with the desire to expose themselves and unintended forms of exposure.
​Daily life in CCTV footage + sharing with an audience By exhibiting CCTV footage taken from the internet showing the daily lives of anonymous young couples in Europe side-by-side with works of painting that capture parts of those daily lives, I want to create an opportunity to experience an encounter them from thousands of miles away through media and painting.
‌YOKYOKYOK Artist _Mirai Jeon

Mme. Banyan 孟

반얀은 산스크리트어로 지혜 라는 뜻이다. 또한 인도의 한그루의 거대한 나무 숲을 일컬어 반얀트 리라고도 한다. 반얀트리는 동식물을 신성시하는 흰두교에서 가장 추앙받는 나무 중 하나이다. 반 얀은 붓다의 어머니고 반얀의 어머니는 큰 슬픔 이다 . 즉 큰 슬픔에서 지혜가 만들어졌고 그 지혜 로 인해 붓다의 깨달음이 태어났다고 한다. 작가는 발효로 조상들과 나, 미래의 생명들과 만나는 지점을 구부러진 시공간이 무수히 교차되는 구멍과 섬광으로 < 삼합[三合]: 발효의 연식술 > 2015 작품을 만들었다. 그리고 최근 결혼과 출산 을 거치면서 이 발효되는 세계를 생명의 파동을 일으키는 주체인 여성과 모계사회로 그 근본을 두 게된다. 작품 제목으로 쓰인 마담 반얀은 이런 흐름 안에서 지혜의 파동을 드러내는 드로잉 작품이다. 구멍, 구부러진 시공간이 그 속에서 무-수이 교차된다. 구멍 속에서 섬광 그리고 또 다시 이어지는 섬광. 우주의 맹점이자 섬광 속에서 통하는시간. 크고 뚜렷하게. 필리아(Philia), 우리 셋이 모여 시공간의 교차점을열었으니, 그곳을 보라! 보지 않듯 보라. 구멍 저 안에 섬광을 보라! -< 너를 위한 구멍 2015 script 일부 >
Born in 1981, Mirai Jeon graduated from Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris (ENSBA) in 2009 and completed a post diploma in 2010. She returned to Korea in 2012 after developing a heart problem while enrolled in a master’s program in arts plastiques at the University of Paris 1 Pantheon-Sorbonne. Her residency activities include the SEMA Nanji Residency (2012–2013) and Gyeonggi Creation Center (2014–2015). She recently participated in a performativity program as part of “Hangang_Art in the Flow_Hangang Art Park Project” (2018), and she has also taken part in many other projects, including an artistic contribution to “Already Not yet” (2015) (Korea National Contemporary Dance Company) She has held four solo exhibitions, including Fermentation Party (Mimesis Museum, 2015), and participated in numerous other exhibitions including Random Access (Nam June Paik Art Center), Move – on the spot (National Museum of Modern and Contemporary Art, Gwacheon), and Everybody has a Story (Gyeonggi Museum of Art).
‌YOKYOKYOK Artist_Jaeyeon Yoo

Make her hurt, make her fly: 노트에 끄적거린 아주 작은 드로잉으로부터 출발하였습니다. 드로잉의 비 정형적인 선을 그대로 유리관으로 재현하여 네온으로 제작한 작업입니다. 보는 방향에 따라서 드로잉에 등장하는 두 인물의 관계가 바뀝니다. 가슴을 압박하는 형태의 폭력적인 이미지가 될 수도, 몸체를 들어올려 비행기를 태우듯 공중 부양을 시키는 유희적인 이미지가 될 수도 있는 작품입니다. 가슴을 압박하는 모습의 작품에서는 심폐소생술을 하는 모습을 떠올리는 분들도 있었습니다. 이렇게 관람객의 시각에 따라서 내용이 완전히 전복될 수 있는 작품입니다. 타자의 시각에 따라서 양가적인 맥락을 지니는 상황이나 관계에 대해서 생각하며 만든 작품입니다.전반적인 저의 작업 세계를 한 마디로 표현하자면 ‘개인이 구축한 상징계와 물리적인 세계의 실재계가 만나 생기는 부스러기들’ 이라 말하고 싶습니다. 제 작업에 저에게 간헐적으로 찾아오는 사회와 개인과의 괴리, 유년기와 현재의 괴리, 어른과 아이의 괴리, 그리고 현실과 환상의 괴리에서 찾아오는 감정들을 투사하는 것 같습니다.
Make her hurt, make her fly:
It started from a very small drawing that I scribbled in my notebook. For this work, I reproduced the drawing’s irregular lines as glass tubes rendered in neon. The relationship between the two figures in the drawing changes with the direction they are viewed from. It may be a violent image in the form of pressing against the chest, or a playful image of the body being lifted up and levitated like an airplane. In the works that show pressure against the chest, the figures that appear call to mind the act of CPR. The work is thus one in which the content may end up completely subverted according to the viewer’s perspective. In creating it, I consider situations and relationships that possess an ambivalent context depending on the perspective of others.
If I were to summarize my overall artistic vision in one expression, I might describe it as the “fragments that arise as the symbolic words we build as individuals encounter the reality of the physical world.” In my work, I seem to be projecting the emotions that come to me intermittently from the gaps between society and the individual, between early childhood and the present, between adults and children, and between reality and illusion.
‌YOKYOKYOK Artist_Seokkyung Han

시인 최영미가 1997년에 발행한 < 시대의 우울 >에는 이런 말이 적혀있다. '그러나 나는 안다. 이것이 끝이 아니라 시작임을. 내가 앞으로도 떠나고 돌아오는 일을 반복 하리라는 것을. 내 속의 우울을 들여다보며 이 시대의 우울을 통과하기 위해서. 가끔씩 그렇게 표표히 표류해야 하리라.' ‘여관’이라는 공간은 절대적으로 거주와 이동이 반복되어 지는 곳이다. 이런 일련의 행위은 만남과 이별을 동반하는 것이며, 이는 곧 시간의 퇴적 작용을 보여 준다. 내가 몸을 뉘였던 잠자리 옆의 벽지는 이러한 과정을 보여주는 증거물이 된다. 차곡차곡 쌓이듯 붙여진 벽지. 누렇게 변색될 때마다 덧붙여 올렸던 벽지들 틈에는 곰팡이가 가득하게 피어있다. 그리고 나는 그것들이 보이지 않게 다시 한 겹 올려 덮는다.  우리네 삶 또한 그러하다. 서로가 서로를 할퀴고 헐뜯고 모함한다. 때문에 아프다. 이 시대 속에서 여자로서의 삶을 살고 있는 나의 우울을 쉬이 드러낼 수 없기에 인내의 시간을 한 겹 덮어 온전해 보이도록 한다.
In the poet Choi Young-mi’s 1997 work Melancholy of the Era, there is a part that reads, “Yet I know: that this is not an end, but a beginning. That I will continue in the future to repeat the leaving and returning. So that I might look inside the melancholy within me and pass through the melancholy of this era. That I must at times float gently in this way.”
By its nature, inns are places of repeated residence and movement. These actions bring with them meetings and partings, thus illustrating the sedimentary workings of time. The wallpaper next to the place where I rested my body becomes evidence of this process—wallpaper applied as though in neat layers. Overlaid each time it yellows, the wallpaper’s cracks are filled with mildew; I then apply another layer over top so that it doesn’t show. So it is with our lives: we scratch each other, we backbite and slander. And so it hurts. Being unable to readily show my melancholy as a woman living in these times, I applied another layer of enduring time so as to appear whole.
YOKYOKYOK Artist- Kyungryul Park
Lazy eye, Mixed media, Dimensions variable, 2019
짝눈, 혼합재료 (설치후결정), 가변설치, 2019

< 짝눈 (Lazy eye) >(2019)은 회화의 다양한 가능성을 공간 연출방식에 주목해 실험하는 작업이다. 공간의 요소를 적극적으로 회화의 일부로 활용하면서 본인의 작업을 회화, 조각, 오브제 등의 장르적 구분을 두지 않고 다양한 시 점에서 온전한 이미지로서 파악하고자 한다. < 짝눈 >은 벽을 사이에 두고 나뉘어진 공간을 하나를 다른 하나의 짝 으로 설정하고 그 사이 커다란 구멍을 매개로 하여 두 공간을 구성하는 회화설치이다. 그래서 날것과 가까운 조각 과 드로잉, 그리고 철거 직전에 자연스럽게 남겨진 건축적 요소들을 그대로 수용하여 직관적인 방식으로 재구성한 한 폭의 그림을 그리게 된다.
Lazy eye (2019) is a work of experimentation with the different possibilities of painting, with a focus on methods of spatial presentation. Drawing actively on elements of space as part of the painting, I attempt to understand my work as a whole image from different perspectives without applying distinctions of genre (painting, sculpture, object, and so forth). Lazy eye is a work of painting installation comprising two spaces: the setting is separated by a wall into two paired spaces, which are mediated through a large hole between them. Through this, I create a work of painting that incorporates borderline-raw sculpture and drawing together with the architecture elements naturally left behind just before demolition, which I reconfigure based on an intuitive approach.
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